Faz frio e chove em BH. O que me deu a ideia deste post. Caso esteja assim na sua cidade também, aproveite as dicas e curta um bom filme! Nem todos são lançamentos. São apenas sugestões. Para saber mais sobre os filmes, consulte a locadora de sua preferência.

Apesar de não ter entrado em cartaz nos cinemas brasileiros e ter sido lançado diretamente em DVD em abril de 2009 pela Imagem Filmes, que subestimou a obra, Guerra ao Terror é um dos melhores filmes desse ano. Prova disso foram suas premiações no Oscar: melhor filme e direção, além de outras quatro.

O filme também arrebatou muitos dos mais importantes prêmios do cinema mundial. Praticamente uma unanimidade, foi premiado em festivais norte-americanos e internacionais de renome, como o de Veneza, em diversas categorias. Entre atuação, direção e roteiro são mais de 30 premiações e indicações. Recentemente, venceu também o Critics Choice Awards. Sobre o Globo de Ouro, sem comentários. Não é preciso pesquisar muito para saber que esse prêmio não representa absolutamente nada pra história do cinema.

Mas, sem mais demora, cabe aqui explicitar porque o filme vale a pena ser visto. Quando a narrativa começa, faltam apenas 38 dias para que uma equipe de soldados norte-americanos de um esquadrão anti-bombas retorne a seu país de origem. Eles estão cumprindo serviço no Iraque. E, naturalmente, contam os dias até poderem voltar pra casa.

Seu cotidiano é feito de tensão à flor da pele. Cada um dos personagens da equipe possui um perfil psicológico denso, que Kathryn Bigelow desenvolve sem precisar de muitos diálogos. Sargento JT Sanborn (Anthony Mackie) aparece em seus primeiros minutos de filme já nos comovendo, simplesmente com sua expressão de medo e seu olhar de tristeza. Já o especialista militar Owen Eldridge (Brian Geraghty) carrega sobre suas costas, o tempo todo, o peso da culpa, juntamente com a mochila. O fardo é muito pesado e facilmente qualquer um de nós consegue se identificar com ele. É o retrato, puro e simples, do que sentem a maior parte dos soldados quando estão no front.

Sim, Kathryn se esforça para nos levar até o campo de batalha com eles. Uma luta urbana, na qual os iraquianos são, ao mesmo tempo, heróis e vilões. Para nos dar a sensação de que estamos junto com os soldados, vivenciando o seu cotidiano instável, temos um uso muito inteligente da câmera: as imagens são tremidas, nervosas, fazendo com que o aspecto documental predomine durante a maior parte do filme.

A diretora, detalhista, também sabe explorar os pequenos momentos cinematográficos que fazem subir a pressão do espectador. A beleza de uma explosão e de uma morte em slow motion, um gato que corre com a pata quebrada, o suor autêntico demais pra ser fingido, um cartucho que cai na terra anunciando a morte, uma pipa que flutua tranquila e solitária no céu depois de uma explosão, o nojo de descobrir um corpo-bomba.

Isso sem falar na areia, nas moscas, no suco escasso, compartilhado em meio ao tórrido calor do deserto, e numa chuveirada com traje militar, armas e tudo, cuja intenção é lavar mais do que a sujeira do corpo. Diga-se de passagem que este último é um dos momentos mais bonitos e memoráveis de Guerra ao Terror.

Outro recurso interessante de câmera bastante explorado por Kathryn se trata do uso de variados ângulos em uma mesma cena. Praticamente em todas as sequências do filme, especialmente nas mais tensas, observamos em ação, pelo menos, quatro câmeras. É a imagem de longe, de perto, focalizando um capacete, usando diferentes primeiros planos de uma mesma conversa. O público tem a sensação de ser onisciente e conseguir visualizar, ao mesmo tempo, tudo que acontece. E o trabalho é tão caprichado que em nenhum momento esse movimento todo nos tira do universo criado pelo filme.

Por fim, merece um destaque à parte a atuação de Jeremy Renner como William James, desarmador de bombas que se expõe aos riscos mais inacreditáveis durante o filme todo e que é o perfeito exemplo de como a guerra mexe com o psicológico de um ser humano. (Aliás, todos os três personagens são exemplos disso.) Atrevido, independente, sem nada a perder, o líder da equipe parece ser indestrutível, inabalável, mas ele é também, no fundo, apenas mais um jovem assustado. Ainda assim, o destino do personagem segue uma lógica própria e não nos espantamos com o que lhe acontece quando sobem os créditos finais.

Guerra Ao Terror mostrou a Hollywood que não são precisos os melhores efeitos especiais do mundo para se merecer o prêmio de Melhor Filme. O que isso significará para o futuro da história do cinema? Difícil dizer. Vamos aguardar.

Casal protagonista de Avatar

James Cameron demorou 15 anos para conseguir realizar Avatar, seu novo filme. O esforço do cineasta criador do Exterminador do Futuro e realizador bem sucedido de Titanic é realmente de se admirar. Desde o romance meloso entre Jack e Rose ele tem trabalhado incansavelmente nesse épico colorido, especialmente em torno da tecnologia que o tornaria possível. Isso fez com que criasse um filme que será divisor de águas em termos de inovações.

Para que o filme fosse feito totalmente em 3D, o diretor recriou, em parceria com a Sony, essa tecnologia, para que não houvesse nenhum tipo de desconforto para o espectador ao assistir (antes o 3D provocava tonturas no público quando usado durante muito tempo) e Cameron pudesse ter controle total sobre o que estava sendo filmado. Além disso, os atores tiveram suas imagens criadas em CGI a partir do uso de uma espécie de malha, composta por pequenos pontos refletores que capturaram seus movimentos faciais e corporais com microcâmeras próximas da face e 140 câmeras simultâneas que os registraram em ação. A partir desses movimentos, os animadores criaram as imagens dos personagens.

O diretor também criou uma língua para os humanóides que habitam Pandora, os Na’Vi. Para isso, contou com a ajuda de linguistas como Paul Frommer, criador do idioma klingon, de Star Trek. Também foram formulados uma gramática, sintaxe, morfologia e todos os elementos de uma linguagem. Isso significa que a língua dos Na’Vi, de fato, existe. E independe do filme.

As plantas e animais do ecossistema de Pandora foram todos elaborados por uma equipe de botânicos e biólogos, que se basearam em diversas espécies aqui da Terra, mas foram aperfeiçoados, para que pertencessem ao novo mundo. À noite, a floresta se mostra biofluorescente, com plantas que emitem luzes multicoloridas. Os animais são todos muito coloridos e lembram bastante dinossauros, por seu porte e formas. São facilmente identificáveis principalmente os “pterodáctilos melhorados”, nos quais os Na’Vi montam para voar.

O enredo consiste numa história futurista, que, como muitas outras, prevê que os humanos destruirão a Terra e sairão rumo a outras galáxias para prosseguir destruindo a natureza de outros ecossistemas. No caso, o local é Pandora, uma lua que está na órbita de um planeta gasoso chamado Poliphemus, em Alfa Centauro. No solo dessa lua há um mineral cuja exploração vale milhões de dólares. Então uma série de mercenários provindos do exército, marinha e aeronáutica são contratados para ajudar na expulsão de uma raça humanóide primitiva chamada Na’vi dos locais mais propícios para a exploração desse mineral.

Dentre esses mercenários está Jake Sully (Sam Worthington), um fuzileiro naval paraplégico. Ele é chamado a participar do projeto Avatar, em Pandora, para cobrir a ausência de seu falecido irmão. Esse projeto consiste no uso de corpos híbridos semelhantes aos do Na’Vi, para que se infiltrar e aprender os costumes deles. Jake se infiltra acidentalmente em um dos clãs, o Omaticaya, inicialmente interessado em obter informações.

A história é desafiadora e coloca em cheque uma série de fatores históricos da colonização. Impossível evitar comparações com o que aconteceu com os Incas, Maias e Astecas, especialmente quando se vê a destruição que os humanos querem fazer naqueles ambientes que para os Na’Vi é considerado sagrado. Também não podemos nos esquecer que escolas para ensinar língua e costumes a nativos foram frequentes, inclusive, no Brasil, quando da colonização portuguesa. Da mesma forma que os Na’Vi, nossos índios conviviam em harmonia com a natureza e cultuavam seus deuses. E também veio o “homem branco” e destruiu tudo. A mensagem que Cameron nos deixa é de que a história, inevitavelmente, se repete e nada indica que agiríamos diferente na busca por outros planetas.

O filme vem sendo bastante comparado com Star Wars e é fácil entender porque. As duas histórias são completamente distintas visto que Avatar tem clara temática ambiental e é mais um filme que se encaixa na categoria de colocar a indústria e o devorador lucro capitalista como vilões. Mas em ambos os épicos podemos perceber a valorização das imensas paisagens, das belezas naturais, das grandes cenas de luta no ar e na terra, e das monstruosas naves, que preenchem toda a tela. Claro que o meio ambiente é, no filme de Cameron, um personagem a mais, e, à serviço do enredo, é muito mais valorizado e colorido. Mas nem por isso as gigantescas máquinas perdem seu lugar. Há de se ressaltar também que há uma expectativa de que Avatar venha a se tornar para a história do cinema o que Star Wars foi.

Mas, apesar de tanta tecnologia e uma valorização visual sem precedentes, esta obra ainda possui alguns pontos fracos. Seu enredo, a princípio bastante interessante, não deixa de cair em velhos clichês. Lembro-me de ouvir falar que Cameron concebeu Titanic para ser um filme que atingisse todos os públicos: havia ação para os homens e romance para as mulheres. Esse filme tem algo a mais: atinge em cheio às crianças. Os Na’Vi se tornaram brinquedos bonitinhos e rentáveis. Além disso, Avatar já tem vídeo-game para Playstation 3, XBOX 360, PC, Wii e até Iphone. Muito lucrativo para os estúdios, pouco desafiador para quem assiste.

Isso porque o filme possui atuações fracas inexplicáveis por parte dos personagens “humanos”. Jake Sully é uma lástima, bastante inexpressivo, enquanto seu avatar é excelente ator! O mesmo acontece com a veterana Sigourney Weaver, que faz a Dra Augustine e cujo avatar lhe é fisicamente muito semelhante. Mas se a construção dos avatares vem das expressões físicas e faciais dos humanos, como explicar que estes na tela tenham um desempenho aquém de suas representações virtuais? Cabe até mesmo pensar se isso não foi algo intencional, com uma clara valorização dos Na’Vi ante os seres humanos. Merece destaque o ator Stephen Lang como o Coronel Miles Quaritch, uma das melhores atuações “humanas” de Avatar.

Outro fato a se lamentar é que, assim como em outros filmes, a temática ambiental apresentada não deixa a sala de cinema com o público. As pessoas se emocionam com o enredo, ficam do lado dos Na’Vi e acreditam na importância de se valorizar o meio ambiente. Mas não reciclam o próprio lixo de suas casas. A mudança de atitude pode ser algo que está sendo encorajado por diversas obras recentes de Hollywood. Porém, construir novos paradigmas é algo que vai muito além de entretenimento. Infelizmente, o público ainda acredita que a destruição da natureza do nosso planeta é algo distante, que eles vêem apenas na ficção.

Todos esses contrapontos de forma alguma desvalorizam o esforço de Cameron e sua equipe. Avatar é, de qualquer maneira, um divisor de águas na forma de se fazer cinema. Tecnicamente falando. O que cada espectador tira do enredo apresentado varia muito, vai da consciência de cada um. E quanto a isso, não há nada que a tecnologia possa fazer.

E assim é este longa, sem princípio meio ou fim bem definidos. Nos primeiros minutos de filme, há a expetativa de um enredo comum, quando somos apresentados à história de Marguerite Muir (Sabine Azéma), uma mulher que vai comprar sapatos e é assaltada na saída da loja. Depois, ele nos mostra Georges Palet (André Dussollier) encontrando a carteira com os documentos dela. Coloca um pouco de suspense, uma trilha dramática e constrói para o público duas percepções de personagens bem definidas. Não demora muito mais do que 30 minutos para destruir tudo.

Merece destaque o papel que a repetição merece no filme. O diretor coloca várias vezes, sistematicamente, de tempos em tempos, uma série de imagens, especialmente a de ervas daninhas. Elas nascem no asfalto, no solo, chega a haver um campo cheio delas! E também temos flashes da bolsa flutuando no ar, sendo levada pelo assaltante; da carteira sendo encontrada, os fluxos de pensamentos em tela dividida e a imagem de Palet andando para trás, de costas, em direção a um cinema onde assistiu a um filme, como se ele estivesse voltando no tempo. Essas cenas funcionam de forma “curinga”: em certos momentos “empurram” a trama pra frente, em outros mostram as passagens do tempo.

Outro elemento importante é o narrador, cuja fala se mistura frequentemente ao fluxo de pensamento dos personagens. No caso de Palet, por exemplo, a voz dele chega a se misturar com a do personagem, especialmente no início, quando ainda desconhecemos qual voz tem o ator. Daria para pensar que o filme todo está sendo narrado pelo protagonista, apenas tendo como base essas primeiras cenas. A narração é bastante excessiva em algumas partes, chegando a incomodar. Felizmente, mais pro final da história, ela diminui gradualmente. Sua função é de nos informar sobre certas peculiaridades do enredo. Mas ela também serve como mais uma ferramenta do diretor para nos enganar.

Resnais também usa a forma de apresentação dos personagens para criar expectativa. Ele nos apresenta Marguerite mostrando apenas seu pés e depois a mostrando de costas. Só muito depois de já estarmos familiarizados com ela, vemos seu rosto, brevemente, enquanto toma banho. O mesmo acontece com Palet, mas demoramos menos a ver seu rosto. Peculiar observar que, quando ele vê as fotos de Marguerite nos documentos, nós também somos privados da visão dos retratos. Ou seja, também não temos acesso à primeira imagem que o protagonista tem da personagem.

O diretor de fotografia usa bastante o movimento de câmera para ajudar Resnais a construir seu poema visual: plongéé, contra plongéé, travelling e o primeiríssimo plano marcam presença em diversos momentos. Também percebe-se que, em algumas ocasiões, o cenário foi composto de uma forma que evidencia o cuidado da obra com a beleza do que se está na tela. Muitos objetos preenchem o quadro, especialmente sapatos, relógios e pianos, criando um efeito muito peculiar. A casa de Marguerite também é uma obra prima visual, com mobília e quadros que mostram a afeição da personagem pelas cores e formas imprecisas. Quase no final do filme, somos surpreendidos com belas imagens de paisagens, cuja função é mais estética que narrativa.

A trilha sonora também é um destaque a parte, mas negativo porque em muitos momentos é excessivamente alta e se sobressai nas cenas, sendo muito mais chamativa do que a ação que se está passando. A ideia, ao que parece, é sermos chamados a perceber essa música, como que um lembrete de que estamos assistindo a uma obra de ficção. Essa ideia fica ainda mais evidenciada nos momentos em que toca o conhecido tema da 20th Century Fox, uma música curta, mas que nos é tão conhecida que é impossível levar qualquer tentativa da narrativa de ser levada a sério depois que ela toca várias vezes. Há uma parte em que, inclusive, toca essa trilha e a palavra Fim pisca na tela ostensivamente. Uma brincadeira com o espectador.

Sim, o objetivo de Resnais é nos chamar para brincar com ele, mas mesmo assim não deixamos de encontrar seriedade em partes de sua mensagem. É um poema que explora aquilo que é incompreensivo, mas também deixa um leve entendimento, uma pequena luz, especialmente quanto ao romance que acontece na obra. É um amor louco, semelhante a uma erva daninha, que nasceu em local e momento indesejado pelos dois personagens. Talvez mais indesejado por Marguerite, claro, o que torna as coisas ainda mais confusas. Tudo são apenas hipóteses. Quando se trata desse diretor, nunca se sabe.

Desde que fiz o curso do Pablo Villaça tenho feito pro Mondo BHZ uma série de críticas de cinema que, se ainda não forem totalmente “críticas”, pelo menos creio que estejam indo pelo caminho certo. Gostaria de compartilhar a mais recente delas com vocês (ainda tem alguém aí que me lê?) e quero um feedback. Dêem uma olhada abaixo. O texto refere-se a Tokyo!, filme dirigido por Michel Gondry, Leos Carax e Bong Joon-Ho e também pode ser lido no site.

Três cidades em uma só são reveladas em Tôkyô!

Uma cidade, três perspectivas. Assim nos é colocada a proposta de Tôkyô!, filme cujo conteúdo dialogaria, de maneiras diversas, com a capital japonesa. Isso acontece, inevitavelmente. Mas o que Michel Gondry, Leos Carax e Bong Joon-ho acabaram fazendo foi ir um pouco além disso.

O primeiro filme, dirigido por Gondry, foi batizado curiosamente de Interior Design e é uma adaptação da história título da HQ Cecil e Jordan em New York, lançada por Gabrielle Bell em 2008. Bell é uma cartunista americana pouco conhecida aqui no Brasil, mas seu estilo surrealista e melancólico dialoga bem com o trabalho do diretor francês, vencedor do Oscar de Melhor Roteiro Original como co-roteirista do filme Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças. No seu currículo, também estão os filmes Rebobine, Por Favor e A Natureza Quase Humana. Quando dirigia vídeo-clipes, seus trabalhos mais relevantes foram para os artistas Björk, Beck e The White Stripes.

Sem esse panorama que desenhei, ficaria impossível para qualquer espectador entender a história que se passa em Interior Design, onde a sensação de estranheza não nos deixa quando ele acaba. Hiroko (Ayako Fujitani) e Akira (Ryo Kase) são um jovem casal que chega em Tóquio com esperanças de melhorar de vida. Ele é um cineasta, que quer fazer seu filme dar certo. Ela é uma jovem sem vocação, que não sabe o que quer da vida. Eles são acolhidos temporariamente num apartamento pequeno pela amiga Akemi (Ayumi Ito), até que arrumem um lugar para viverem.

Gondry usa um longo plano sequência para nos contar da angústia da personagem em não saber qual é sua vocação. Outro momento interessante do filme é quando ela procura um apartamento e, em meio a sua busca, acha um quarto em estilo cubículo, que é focalizado do lado de fora pela câmera, junto com tantos outros milhares, mostrando como a precariedade de sua situação é compartilhada por tantos outros japoneses. Quando seu carro é guinchado e vemos muitos outros carros no pátio da Polícia, entendemos que esta é uma Tóquio em crise. Apesar de tudo, a solidariedade ainda é percebida em pequenas atitudes, especialmente a do ajudante do depósito.

Mas o diálogo com a cidade acaba não progredindo muito além disso. Inevitável pensar que o desfecho deste pequeno filme poderia ter sido outro, levando em consideração a proposta inicial. Não há como o espectador desavisado não se espantar com um tão gritante Deus ex machina. Mas isso é para quem não conhece a história da HQ. Para quem sabe como termina, está tudo muito bem e Gondry conseguiu ser bastante fiel ao trabalho de Bell.

Já em Merde, Leos Carax usa o caos para dialogar com a capital japonesa. O diretor do polêmico Pola X, que foi apenas ator nos últimos três longa-metragens, retorna para detrás das câmeras contando a história da criatura que se auto intitula Merde (Denis Lavant), um homem bizarro, que gosta de andar na rua agredindo as pessoas. No plano sequência inicial do filme, vemos a criatura arrancando plantas, espantando as pessoas, comendo dinheiro e até mesmo lambendo o braço de uma adolescente. Ele vive nos esgotos e lá encontra achados inusitados como, por exemplo, um tanque de guerra e armamentos. Interessante observar como, através desses achados, o cineasta dialoga de maneira sutil com a história recente japonesa, suas guerras e seus conflitos.

Outra parte curiosa da história é quando acontece um julgamento em três línguas e a tela se parte em três, às vezes quatro pedaços. Provavelmente intencionando dar destaque simultâneo aos três personagens que falam, o diretor se vale desse interessante ferramenta, que não é constante, mas vai se alterando de acordo com o desenrolar dos acontecimentos. Em certo ponto, só fica um quadrado em tela, que depois se desdobra em dois, três. A quantidade depende de como evolui a narrativa.

Ironicamente, esse segundo pedaço do filme é o mais caótico (há até mesmo um médico anão, o cúmulo do bizarro), mas chega a ter mais sentido, em sua própria lógica, do que a primeira história. E nisso incluo até mesmo o barulho da gaivota, que acompanha constantemente Merde quando sai do bueiro de esgoto.

Finalizando, temos o mais poético dos três filmes, Shaking Tokyo, dirigido por Bong Joon-ho, cujo principal sucesso de sua curta carreira foi O Hospedeiro, filme de 2006 que é estrelado por uma criatura no melhor estilo “monstro do Lago Ness”. Essa última história mostra o cotidiano de um hikikomori, um homem isolado em sua casa há 10 anos, que não tem contato com ninguém a não ser pelo telefone, quando pede comida; e pelas cartas do pai, que lhe manda dinheiro. Seu cotidiano é pontuado pelas refeições, por suas idas ao banheiro e por sua leitura diária. O homem estoca tudo que precisa: água, papel higiênico e até mesmo as caixas das pizzas que come aos sábados. Completamente isolado, ele sequer faz contato visual com os entregadores.

O diretor usa, com sutileza, a fotografia como um personagem a mais da história. Há um significativo contra-plongée do sol, para mostrar o sufocamento do homem pela vida social. Também há bastante sol dentro da casa, no qual o protagonista presta atenção e gosta de admirar. E, num momento dramático, a luz é estourada propositalmente, para nos mostrar o estranhamento, medo e incômodo que ele está sentindo. Ao final, nos dois primeiríssimos planos, novamente vem a luz do sol, dessa vez traduzindo, de maneira poética, um novo começo.

Merece ser citado também como se prestou atenção nos mínimos detalhes da concepção do protagonista. Sem que seja preciso dizer mais do que o necessário sobre seu isolamento, ele nos é apresentado através de significativas imagens como a casa completamente tomada pelo mato, o tênis com aranhas, a bicicleta enferrujada e, especialmente, as inúmeras pilhas de alimentos, garrafas d’água, livros e papéis higiênicos, que ocupam praticamente o interior da residência inteiro.

Pode-se considerar o filme Tôkyô!, assim como a própria cidade, uma pluralidade de perspectivas, de sentimentos. São três filmes em um, que se ligam entre si pela análise da metrópole através de seus habitantes. E, indo além do diálogo proposto, os cineastas conseguem construir, por meio de suas narrativas, um novo significado, partindo do particular para o universal. Cada uma das histórias começa nessa capital. E acabam indo muito além da imaginação humana.

Foi ótimo o Luluzinhacamp aqui em Belo Horizonte. Conheci uma galera de gente legal e diferente. O encontro foi no último sábado à tarde, no restaurante Mosteiro. Curti o encontro, apesar de ter ido lá morrendo de vergonha.

Sou uma pessoa ultra tímida. Então acabei não sendo das maaaais falantes. Queria ter falado a respeito dos sites, mas, ao contrário do que pensei, o encontros não teve assuntos específicos ou programação, como os de São Paulo e Rio sempre tem. A gente chegou lá, sentou e conversou. Tipo ir pro boteco e jogar conversa fora.

Isso deixou as coisas um pouco complexas pra mim, já que não houve uma apresentação de quem era cada uma. E um montão de mulher falando ao mesmo tempo! Guardei o nome de algumas, outras agora conheço de rosto e não sei o nome e ainda tem aquelas com as quais não tive como conversar, porque estavam longe. Foram umas 15 pessoas! Muito acima das minhas expectativas!

Gostei muito, apesar de ter querido participar um pouco mais. E ganhei dois brindes fan-tás-ti-cos! Um é o livro da Milla Mathias, “Quem disse que você não tem nada para vestir?” e o outro foi uma camisa muito fashion, com o trabalho do Andy Warhol que ilustra a capa do Velvet Underground, a famosa banana, que coloquei aí no topo do post. Apesar da Amanda ter me dado o bolo, os meus dois presentes tem a ver com moda. Quem diria?

Então agora as garotas estão falando de fazer um amigo oculto e se encontrarem novamente. Acho ótimo! Espero ter outra oportunidade de rever essas meninas legais e, quem sabe, conseguir me articular com todo mundo! E falar dos sites, dos problemas ambientais que me incomodam, conseguir anotar algumas coisas, trocar receitas… seria bacana demais!

Na quarta-feira (dia 11/11) foi lançamento do CD da Érika Machado no Teatro Alterosa, cantora que eu simplesmente amo! Entrevistei ela pro Mondo BHZ e ela foi super simples e simpática. Adoro gente assim, humilde. E o som dela é fan-tás-ti-co. Quem não conhece, precisa conhecer. Escutem um pouquinho do trabalho dela no site. Vocês vão se apaixonar! Ela e o som dela são muito cativantes.

Ainda na quarta, me matriculei no curso do Pablo Villaça. Lembra que eu falei desse curso há quase um ano? Ele está acontecendo em BH de novo. E dessa vez eu não dei bobeira! Já me matriculei. Vai acontecer de 30 de novembro a 04 de dezembro, à noite. Só recebi referências boas. E sei que vou curtir adoidado.

E falando em cinema, esse fim-de-semana vai ser movimentado para os amantes da sétima arte. Na Casa do Baile, começa no sábado (14/11) a programação do Filme no Baile, que nesse mês contempla ninguém menos que Jean-Luc Godard, grande cineasta francês que é praticamente uma unanimidade quando se trata de cinema. E no Cine Humberto Mauro teremos a mostra A Perseguição no Cinema, que traz quatro filmes clássicos e um seminário com a filósofa francesa Marie-Jesus Mondzain. Dentre os filmes exibidos estão O Mensageiro do Diabo, de Charles Laughton; e Os Pássaros, do grande Hitchcock.  Tudo gratuitamente. Dessa vez não tem desculpa pra não sair de casa e pegar um cineminha!

E, para completar, no Domingo tem o primeiro Encontro de Twitteiros Culturais em Belo Horizonte. Irei, junto com meu marido, representando os sites. O objetivo desse encontro é promover um debate saudável entre os twitteiros de BH que usam o twitter como uma ferramenta de divulgação cultural. O Encontro vai acontecer às 16hs no Status Café. Nesse link no início do parágrafo tem mais detalhes, caso você tenha se interessado.

Ainda não me segue no Twitter? Tá dando bobeira… Meu endereço é twitter.com/priskka e os endereços dos sites são twitter.com/opperaa e twitter.com/mondobhz. Segue a gente pra saber do melhor em programas culturais em BH!

Beijos!   

Na foto, Leila Diniz, que chocou o país inteiro ao ir pra praia de biquini grávida. Parece que não mudou muita coisa de lá pra cá...

No meu MP3, em qualquer emissora que eu coloco, tá rolando um debate sobre a absurda decisão da Uniban de expulsar Geisy, a aluna que foi quase linchada por colegar por usar um vestido curto dentro do campus.

Isso em uma universidade, local em que, teoricamente, você deveria ter liberdade para o debate, o ir e vir, a convivência, enfim, um local historicamente mais “liberal” que um colégio de freiras, digamos assim. Quem já fez faculdade entenderá do que eu estou falando…

E não me venham com argumentos do tipo “ela provocou” ou “ela estava expondo as partes íntimas”. Isso é balela!

Nenhum tipo de violência, na minha opinião, se justifica. Justificar atos de vandalismo, agressões, tortura, isso é coisa que só gente estúpida faz. Normalmente o tipo de gente que já tentou justificar era adepto de, por exemplo, hummmm… vejamos… o NAZISMO ou a DITADURA MILITAR. Entende o que quero dizer? Não tá certo. E ponto final!

É muita ironia que alguém venha falar de moral e de “expor as partes íntimas” no Brasil, onde deputado bate ponto e vai viajar ao invés de trabalhar, só se vê mulheres semi-nuas na televisão e temos de colocar as crianças pra dormir antes das 17hs porque novela global só tem cena de pegação. Isso sem mencionar a qualidade dos programas que são exibidos de tarde…

Detalhe: a faculdade está usando isso para se auto-promover. Não tem nada de bons costumes nessa jogada não. Eles estão se valendo do escândalo. Não tem outro motivo para expulsarem ela. E isso é fato. Do contrário, eles não patrocinariam o Pânico na TV!, programa com o maior número de bundas por metro quadrado da TV brasileira.

Na minha opinião, é tudo uma questão de escolha. Não curte o programa? Muda de canal. Não quer ver as partes íntimas da colega, vá à diretoria. Sinceramente, não acho que essa menina seja a “galinha” que estão pintando por aí. Do contrário, o chefe dela não teria dito que ela é excelente funcionária e que as portas do estabelecimento onde trabalhava estão abertas para quando ela quiser voltar.

Enfim, essa é a MINHA OPINIÃO. E esse é um espaço livre para vocês opinarem. Fiquem à vontade.

Antes, preciso dizer que não existe nada mais gostoso no mundo do que ajinomoto com pipoca! Siiiim! É algo simplesmente fan-tás-ti-co! Antes de ir à Biblioteca Pública passei num pipoqueiro que fica ali perto e fiquei de cara com ele. O mérito dessa descoberta devo todo ao seu carrinho de pipoca super diferenciado. Ele usa um casaco onde se lê “n°1″ e oferece pipoca de vários tamanhos e preços: um real, dois reais, três reais. Além disso, ele oferece pipoca com bacon e com queijo. E tem uma variedade de temperos para se colocar na pipoca, dentre eles o ajinomoto. Comprei uma pipoca comum e coloquei o tempero… Ai, pra que? Agora mal posso esperar por comer de novo! Vou ter de ir num supermercado urgente comprar o negócio pra colocar na pipoca! É um manjar dos deuses! Ainda mais pra mim, que sou super viciada em pipoca!

Além da pipoca, ele também tem diversos tipos de balas coloridas, fugindo do lugar-comum de vender aquele coquinho apenas. É o pipoqueiro mais diferenciado que já vi em BH! Ele merecia uma matéria. Vai aí a dica pro pessoal da piauí ou pra quem mais tiver interesse num personagem legal como ele.

O pipoqueiro faz um link importante com o Ruffato porque o pai dele, pasmem, era pipoqueiro. Mineiro de Cataguases, a mãe era lavadeira e ele se formou como torneiro mecânico antes de fazer Comunicação na Universidade Federal de Juiz de Fora. Escritor há pouco tempo (6 anos), já ganhou inúmeros prêmios de literatura nacionais e internacionais. Sua obra de maior repercussão até hoje, Eles Eram Muitos Cavalos, foi resenhada pelo meu marido e é um de seus livros preferidos. Ontem ele lançou em BH, pelo Sempre Um Papo, sua nova obra: Estive em Lisboa e Lembrei de Você.

Chegamos cedo, vimos o Ruffato lá, super acessível e ficamos com vergonha de falar com ele. Ao final do debate, meu marido criou coragem e fez uma pergunta pra ele, que foi super legal. Teve o sorteio de um exemplar do livro e adivinhem quem ganhou? Ele mesmo, que tinha acabado de perguntar. O Ruffato autografou, pegamos o e-mail dele, e ele foi super simpático, “gente como a gente”, sabe? Abraçou meu marido e até a mim! E me colocou na dedicatória do livro. Nem precisava! Foi muita sorte, tanto ter ganho o livro quanto conhecê-lo.

Simplesmente um cara como poucos. E detalhe: sabe como ele se relaciona com o mercado editorial? Via pagamento! Cito aqui palavras dele: “Quer que eu faça isso pra você? Me pague! Porque tem de ser de outra forma? Eu não tenho problemas com o mercado editorial. Todo mundo que está nele, que eu conheço, está bem de vida. Então porque não me pagarem pelo meu trabalho? Eu quero ganhar dinheiro fazendo o que gosto e quero ganhar muito! Não tem problema nenhum, de onde eu vim, em ganhar dinheiro honestamente. Tem gente que diz que não quer ganhar dinheiro com arte. Pois eu quero! Qual o problema? Eu vivo de literatura. E tenho de pagar contas. Por isso, comprem meu livro!”

E eu repito: qual o problema de ganhar dinheiro? Sim, sou mais o Ruffato que o Salles. Quero ganhar dinheiro honestamente. E pagar minhas contas. E se for com cultura então, melhor ainda.